Räumlichkeit
An exhibition curated by Ignacio Uriarte
with Alan Charlton, Felipe Cohen, Jose Dávila, Marcius Galan, Şakir Gökçebağ, Almut Hilf, Valerie Krause, Finnbogi Pétursson, Diogo Pimentão, Yelena Popova, Charlotte Posenenske, Arcangelo Sassolino
Opening on June 27, 2025, 6–10 pm
June 28 – August 23, 2025
Räumlichkeit ist ein Begriff, der in der deutschen Sprache weit über die bloße Beschreibung physischer Ausdehnung hinausgeht. In der bildenden Kunst bezeichnet er sowohl die konkrete Präsenz von Raum – etwa in der Skulptur oder Installation – als auch die Darstellung, Konstruktion und Wahrnehmung von Raum in zweidimensionalen Medien. Räumlichkeit kann dabei als Erfahrungsfeld verstanden werden, als ein Beziehungsgefüge zwischen Körper, Objekt und Umgebung.
Im Englischen wird ‚spatiality‘ vor allem im Kontext der Architektur und Stadtplanung verwendet. Dort erweitert sich der Begriff um soziologische und politische Dimensionen: Raum wird nicht nur als physische Struktur, sondern als sozial konstruierte und erlebte Realität verstanden – beeinflusst durch Machtverhältnisse, Bewegungsmuster und kulturelle Praktiken. Diese Erweiterung des Raumbegriffs ist auch in der zeitgenössischen Kunst zunehmend präsent.
Die Ausstellung Räumlichkeit widmet sich dem Verhältnis von Skulptur, Architektur und räumlicher Wahrnehmung. Sie versammelt Positionen internationaler Künstler:innen, die Raum nicht nur als gegeben hinnehmen, sondern ihn formen, analysieren und in seinen sozialen wie sinnlichen Dimensionen befragen. Raum ist hier nicht Kulisse, sondern aktives Material – erzeugt durch Linien, Masse, Bewegung, Leere oder Verdichtung. Die gezeigten Arbeiten untersuchen, wie Raum gedacht, erfahren, geteilt oder durchbrochen werden kann.
Dabei stellen die Künstler:innen gewohnte Wahrnehmungsmuster von Raum radikal in Frage. Sie durchbrechen tradierte Sichtweisen und ersetzen diese durch neue, oft überraschende Formen der Raumerfahrung. Ihre Werke regen dazu an, Raum nicht nur zu sehen, sondern auch körperlich, emotional und sozial neu zu denken.
Alan Charlton reduziert Malerei und Objekt auf minimalistische, graue Flächen und Modulationen. Seine streng proportionierten Werke thematisieren das Verhältnis von Bildkörper zu Architektur und setzen subtile räumliche Impulse.
Felipe Cohen arbeitet mit skulpturalen Eingriffen in scheinbar alltägliche Materialien. Seine Arbeiten öffnen virtuelle Räume durch Illusion und Perspektivverschiebung.
Jose Dávila bezieht sich auf Architekturgeschichte und konstruktivistische Prinzipien. Mit fragilen Gleichgewichten und offenen Strukturen thematisiert er Raum als ephemeres Kraftfeld.
Marcius Galan untersucht Grenzlinien, Schwellen und räumliche Täuschungen. Seine Werke kartografieren Raum, indem sie dessen Wahrnehmung gezielt irritieren.
Şakir Gökçebağ verwendet Alltagsgegenstände, die durch Ordnung und Reihung neue Raumbezüge erzeugen. Seine Arbeiten hinterfragen mit Humor gewohnte Wahrnehmungsmuster und kulturelle Codierungen von Raum.
Almut Hilf arbeitet mit architektonischen Fragmenten und Modulen. Ihre Werke analysieren Raum als tektonisches Gefüge und hinterfragen Stabilität, Rhythmus und Maß.
Valerie Krause schafft Skulpturen, die Bewegung, Leere und Form in ein Spannungsverhältnis bringen. Raum wird hier nicht gesetzt, sondern vorgeschlagen – als offene Situation.
Finnbogi Pétursson verwendet Klang als skulpturales Medium. In seinen Installationen wird Raum nicht nur gesehen, sondern hörbar gemacht durch Vibration, Frequenz und Resonanz.
Diogo Pimentão arbeitet mit Graphit und Papier, das er faltet, biegt und als skulpturale Fläche präsentiert. Die Grenze zwischen Fläche und Volumen wird aufgehoben – Raum entsteht im Übergang.
Yelena Popova verbindet malerische und installative Mittel, um auf Energieflüsse, Stoffwechsel und unsichtbare Systeme hinzuweisen. Ihre Arbeiten verorten Raum im ökologischen und historischen Kontext.
Charlotte Posenenske verstand Skulptur als industriell produzierbare, veränderbare Architektur. Ihre modularen Arbeiten laden zur Umgestaltung ein und machen Raum zu einem sozialen Akt.
Arcangelo Sassolino bringt Materialien an ihre physikalischen Grenzen. Seine Maschinen und kinetischen Skulpturen lassen Raum als Spannungsfeld zwischen Kraft, Zerbrechlichkeit und Zeit erfahrbar werden.
Die Ausstellung Räumlichkeit versteht Raum nicht als statische Gegebenheit, sondern als wandelbare, erfahrbare und soziale Struktur. Sie fragt, wie Raum entsteht, wie er wirkt – und was er mit uns macht. Zwischen Objekt und Architektur, Klang und Leere, Wahrnehmung und Konstruktion entsteht ein vielfältiges Panorama künstlerischer Raumpraktiken, das unsere Beziehung zu Welt und Körper neu vermisst
Text von Ignacio Uriarte
‘Räumlichkeit’ is a term in the German language that goes far beyond the mere description of a physical extension. In the visual arts, it refers both to the concrete presence of space – as in sculpture or installation – and to the representation, construction, and perception of space in two-dimensional media. ‘Räumlichkeit’ can thus be understood as a field of experience, a network of relationships between body, object, and environment.
In English, the term ‘spatiality’ is primarily used in the context of architecture and urban planning. Here, the concept expands to include sociological and political dimensions: space is not merely understood as a physical structure, but as a socially constructed and experienced reality – shaped by power dynamics, patterns of movement, and cultural practices. This expanded notion of space is increasingly present in contemporary art as well.
The exhibition Spatiality is dedicated to the relationship between sculpture, architecture, and spatial perception. It brings together positions of international artists who do not accept space as a given, but instead shape, analyze, and interrogate it in its social as well as sensory dimensions. Here, space is not a backdrop, but an active material – generated through lines, mass, movement, emptiness, or density. The works on display examine how space can be conceived, experienced, shared, or disrupted.
The artists radically challenge habitual patterns of spatial perception. They break with traditional viewpoints and replace them with new, often surprising forms of spatial experience. Their works invite us not only to see space, but also to rethink it physically, emotionally, and socially.
Alan Charlton reduces painting and object to minimalist, grey surfaces and modulations. His strictly proportioned works explore the relationship between pictorial body and architecture, setting subtle spatial impulses.
Felipe Cohen engages in sculptural interventions using seemingly everyday materials. His works open virtual spaces through illusion and shifts in perspective.
Jose Dávila draws on architectural history and constructivist principles. Through fragile balances and open structures, he addresses space as an ephemeral force field.
Marcius Galan investigates boundaries, thresholds, and spatial illusions. His works map space by deliberately disrupting its perception.
Şakir Gökçebağ uses everyday objects to create new spatial relations through order and repetition. His works humorously question familiar patterns of perception and cultural codes of space.
Almut Hilf works with architectural fragments and modules. Her pieces analyze space as a tectonic structure and challenge notions of stability, rhythm, and scale.
Valerie Krause creates sculptures that bring movement, void, and form into tension. Space here is not imposed but proposed – as an open situation.
Finnbogi Pétursson uses sound as a sculptural medium. In his installations, space is not only seen but also heard – made audible through vibration, frequency, and resonance.
Diogo Pimentão works with graphite and paper, which he folds, bends, and presents as sculptural surfaces. The boundary between surface and volume dissolves – space emerges in transition.
Yelena Popova combines painterly and installative methods to reference energy flows, metabolisms, and invisible systems. Her work locates space within ecological and historical contexts.
Charlotte Posenenske conceived sculpture as industrially producible, modifiable architecture. Her modular works invite reconfiguration and turn space into a social act.
Arcangelo Sassolino pushes materials to their physical limits. His machines and kinetic sculptures render space as a field of tension between force, fragility, and time.
The exhibition Spatiality does not understand space as a static given, but as a mutable, experiential, and social structure. It asks how space comes into being, how it functions – and what it does to us. Between object and architecture, sound and void, perception and construction, a diverse panorama of artistic spatial practices unfolds, one that remeasures our relationship to the world and the body
Text by Ignacio Uriarte
