Simon Bill
<i>Odd</i>
Figge von Rosen Galerie, Cologne
Installation view
Simon Bill
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Am 14. September 2007 eröffnen wir von 19–21 Uhr die Ausstellung Odd des britischen Künstlers Simon Bill (*1958). Bill studierte an der St. Martins School of Art und schloß 1985 am Royal College of Art in London ab. In 2001 war er einer der Nominees des renommierten Beck's Future Preises in London. Wir zeigen 15 seiner ovalen Gemälde aus den Jahren 2000 und 2001 sowie Werke von 2006 und 2007, die nach einer längeren Pause und nach dem Umzug des Künstlers mit seiner Familie nach Sheffield entstanden.

Simon Bills Gemälde sind oval, weil der Künstler – wie er lapidar mitteilt – keine Ecken mag und weil es "dead easy" sei, "not having corners". Überdies erklärt er, alles habe mit dem zufälligen Fund eines runden Stückes Holz in einem Müllcontainer begonnen. Wie so oft muß man auch hier der Aussage eines Künstlers zur gezielten Legendenbildung nicht wirklich glauben. Statt es sich schlicht leicht zu machen, schafft Bill mit dem Oval, also mit der besonderen Form und ihrer immergleichen Größe, die einzigen Konstanten in seinem Œuvre. Erst durch diese Konstante wird sein souveränes und geistreiches Spiel mit Formen, Farben und Inhalten deutlich. Denn Bill variiert innerhalb der selbstgesetzten Vorgaben alle möglichen inhaltlichen und formalen Sprachen und Elemente und führt uns auf diesem Weg zur Reflexion dessen, was Malerei ausmacht, bzw. ausmachen kann. Jedes einzelne Bild ist ein Versuch, ein Fragezeigen und zugleich die Antwort auf eben die Frage nach den Bedingungen von Malerei. Angesichts des in alle Richtungen gehenden Experiments verwundert auch nicht der Einsatz verschiedener technischer und bildnerischer Mittel, die oftmals nicht mit traditionellen Vorstellungen von "Hochkunst" in Verbindung gebracht werden können, die Bill jedoch – neben den "normalen" Stoffen wie Öl, Grundierung, Lackfarbe, Eierschalenemulsion und Acryl sowie Filzstifte – als Malmaterial verwendet. Zu nennen sind insbesondere Haare, Hölzer, Nieten. Für Bill ist das Konglomerat der Materialien ein Grund für die Frische seiner Werke: "The components don't look like they lend themselves necessarily to the end result."

Mit diesen nicht notwendigen, sondern erratisch eingesetzten Mitteln schafft Bill Werke, denen er im nachhinein ironisch-lakonische Titel gibt. So zum Beispiel im Falle von Hang the Kaiser, ein Bild von 2007, das die Parallelität der deutschen Pickelhaube im 1. Weltkrieg mit kubistischer Formensprache thematisiert. Oder auch im Falle von Quorn (2007). "Quorn" ist der Handelsname für ein proteinreiches, industriell hergestelltes Nahrungsmittel aus fermentiertem Schimmelpilzmyzel. Dieses cholesterinarme Gemisch wird mit Vitaminen und Mineralien angereichert und mit Eiweiß aus Hühnereiern als Bindemittel zu vegetarischem Fleischersatz verarbeitet. Dieser Fleischersatz, dessen Beschreibung eklig wirkt und dessen Name auch noch an "Porn" erinnert, wird in einem Gemälde, auf dem gemalte Würmer in Grüngrau auf einem neonorangefarbenen Grund wimmeln, repräsentiert. Zugleich ist hierin auch ein Zitat der All-over-Strategien Jackson Pollocks zu sehen und die bildnerische Diskussion des alten Figur-Grund-Problems, das die Maler seit den frühen 60er Jahren und seit Clement Greenbergs Einlassungen zur "Flatness" eines Gemäldes umtreibt. Ein letzter Titel, der hier erwähnt werden soll, Chesterfield (2006), ist eine Anspielung auf die berühmten gleichnamigen Sofas aus der Stadt Chesterfield. Für diese Sofas werden Knöpfe verwendet, wie sie das Bild – wie es scheint – abbildet. Daß sich das Bild jedoch farblich weit von den echten Ledersofas entfernt und daß der Knopf nur ganz am Rande zu sehen ist und daß man schließlich auch die "Story behind the title" kennen muß, um die Anspielung zu verstehen, zeigt, wie zufällig letztlich die Titel sind. Entscheidend bleibt das malerische oder künstlerische Produkt.

Darüberhinaus suggeriert die Form der Gemälde natürlich das klassische Portrait und die christliche Ikone. Während also die malerischen Mittel der Entauratisierung des Bildes dienen, ist das Oval eine Ur-Form, mit all ihren überhöhenden Konnotationen. So spielt Bill als Maler mit der Erhöhung und diskursiven Relativierung von Malerei und schafft auf diese Weise ein Alphabet malerischer Möglichkeiten, das dem Betrachter ermöglicht, wenigstens annäherungsweise die Strategien des Künstlers, bzw. der Künstler zu verstehen.

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On September 14, 2007, we will inaugurate from 7–9 pm the show Odd with works by the British painter Simon Bill (*1958). Bill studied at the St. Martins School of Art and graduated 1985 at the Royal College of Art in London. In 2001 he was one of the nominees of the reknown Beck's Future Price in London. We show 15 of his oval paintings from 2000 and '01 as well as 2006 and '07, the later ones where done after a longer break and after the family had relocated to Sheffield in Yorkshire.

Simon Bill's paintings are oval, because the artist – as he explains laconically – does not like corners and because it is "dead easy not having corners". In addition to that he says that everything "started when I pulled this round bit of wood out of a skip". As it is true so often, we do not need to believe what the artist is saying with the aim of building up a legend. Instead of making it just easy for him, he creates with the oval and its particular form and size the only constants of his œuvre. And only with this constant his confident and witty play with forms, colors and contents becomes evident. This is because Bill varies within his self-set rules all possible languages regarding content and formal elements and he is guiding us towards the reflection of what constitutes (or can constitute) painting. Every single work is a question mark, an attempt to find out what conditions painting – and the answer to this question. In the light of an experiment that goes in all kinds of directions, the application of different technical and pictorial means that often cannot be related to traditional ideas of high art cannot astonish. For instance, Bill uses, besides "normal" materials like oil, undercoat, gloss, emulsion eggshell and acrylic, materials like hairs, woods, or rivets. For him, the conglomerate of materials is a reason for the freshness of his works: "The components don't look like they lend themselves necessarily to the end result".

With these non-necessary, but erratically used means, Bill creates works that are given – after the fact of having been painted – ironical and laconic titles. For example in the case of Hang the Kaiser, a painting of 2007, that parallels the German piked helmet of WWI with the cubist language of forms existing at the same time. Or in the case of Quorn (2007): "Quorn" is the trade name for an industrially manufactured food, rich of proteins, from fermented moulds. The mixture that has a low level of cholesterol is enriched with vitamins and minerals and it is converted with protein from chickens as bonding agent in a patented procedure to a vegetarian butcher set. Even though the description of this meat substitute sounds horrifying and even though its name seems to allude to "porn" it is represented in a painting by painted worms in gray and green on a neon-orange ground. Together with this representation, the work cites the all-over-strategies of Jackson Pollock and the discussion in the art world of the old figure-ground-problem that has been important since the early 60ies and Clement Greenberg's ideas of the flatness of a painting. One last title that shall be mentioned here is Chesterfield (2006); that is an allusion to the famous sofas produced in the city of Chesterfield. For these sofas, buttons are used, that seem to be represented by the painting. However, the colors of the painting are far away of being true to the sofas and the button can be seen only on a small part of the work. In addition to that, one needs to know the "story behind the title" in order to understand the allusion. All these elements serve as a proof for the fact that the titles are given by chance, without any kind of necessity born out of representational reasons. What is important is the painterly product as an artwork.

It remains to be mentioned that the form of the painting reminds of the classical portrait and the Christian icon. Whilst the painterly means help to work against the aura of a work, the oval is a primary form with all its higher connotations. So, Bill is playing as a painter with the aura and the discursive relativization of painting and thereby is creating an alphabet of painterly possibilities that allows the viewer to understand – at least a bit – the strategies of the artist, respectively the artists.